La princesa prometida (1987)

Dirección: Rob Reiner

Reparto: Cary Elwes, Robin Wright, Mandy Patinkin, Chris Sarandon, Christopher Guest, Wallace Shawn, Fred Savage, Peter Falk, André The giant.

SINOPSIS

Un abuelo visita a su nieto enfermo para leerle un cuento que al joven no parece hacerle mucha gracia. El cuento relata la historia de la preciosa Buttercup, que vive en una granja molestando constantemente a su mozo de caballerizas Westley. Cuando este se embarca en busca de fortuna para casarse con Buttercup, es asaltado por el pirata Roberts y ella se ve obligada a casarse con el príncipe Humperdinck. Pero un día antes de la boda, es secuestrada por un trío de delincuentes que comienzan a verse perseguidos por un extraño enmascarado.

OPINIÓN PERSONAL DE «LA PRINCESA PROMETIDA»

Buenas, buenas, buenas mañanas de domingo fresquito… Aquí estoy de nuevo con otro clásico inolvidable de los fabulosos ochenta, esta vez de finales de la década.

Unos años antes de dirigir la maravillosa e icónica “Misery”, este director que ya había adaptado “Cuenta conmigo”, un relato corto de Stephen King, adaptó otra novela, esta vez de aventuras del autor William Goldman. Y ahí nació “La princesa prometida” como filme inolvidable de amor y aventuras. El director nos traslada a un mundo de fantasía que el abuelo relata a su nieto, y poco a poco nos va enredando en esa historia llena de pilos, malvados, princesas y amor verdadero. La mítica escena de lucha entre Westley e Iñigo, la batalla “a sufimiento” entre Humperdinck y Westley, el juego de trileros de Vizzini. Es que todo rezuma buen gusto por el trabajo bien hecho, por el amor al cine. Por contar una historia sin artificios, donde los personajes tienen sus caracteres muy bien definidos, sus personalidades muy claras y los actos que realizan son acordes a sus creencias.

El maravilloso Mark Knopfler es el encargado de poner su arte musical al servicio de esta historia, y al igual que hizo con su banda sonora de “Un tipo genial (Local Hero)”, crea unas melodías evocadoras de una belleza exquisita.

Los efectos especiales no son buenos, eso no se puede rebatir. Pero es que tampoco importa desde el momento en que la historia de Buttercup y Westley te atrapa. Las persecuciones, los diálogos, las luchas a espada, todo crea un círculo perfecto en el que lo que menos importa es si la roca que ha caído se nota que es cartón piedra. Y lo digo yo, con mi edad a mis espaldas y el conocimiento de que no por tener los mejores efectos especiales, tu película va a ser un éxito. Es importante, pero no clave. Al menos para mí. Y sobre todo viendo esta película en perspectiva, de la época en que se filmó y los medios de la época. No le puedes pedir a “Lo que el viento se llevó” que no parezca un decorado o una lona pintada, es absurdo. Pero a día de hoy entiendo que la gente desee más y más y más. Quizá para mí no es necesario.

Ni que decir tiene, que los dos personajes protagonistas forman una de las parejas más bellas del celuloide. Y no hablo únicamente de lo guapísimos que son ambos, también la química que tienen ante la cámara y lo maravillosamente tratado que está el amor que se profesan el uno al otro. La forma en que consiguen llegar a estar juntos, pese a todo lo malo que les ocurre. Sonará infantil, puesto que la película en ese aspecto es más bien básica en cuanto a acción. Más que nada, porque eran películas para todos los públicos. Con malos y buenos, con magos y monstruos, pero no de los que anidan en las pesadillas. Sino los que eres capaz de atravesar con una espada y dejar de tenerles miedo.

A la tierna edad a la que lo vi, me resultó el cuento de hadas perfecto. Y a la vejez, la frase icónica de la película “como desees” me sigue poniendo los pelos de punta. De hecho, a modo de cotilleo, te diré que hago referencia en mi última novela “El secreto de Danford” a esa maravillosa frase. Como la frase de Iñigo Montoya, presente incluso en Alexa (pregúntale “Alexa, me llamo Iñigo Montoya” y espera a su respuesta), lo cual la destaca como clásico de culto de todos los tiempos.

Una película medieval de aventuras, un cuento romántico con peleas de espadachines, magia negra y un príncipe malvado. Como se hacían las historias antiguamente, por el simple y dulce hecho de entretener, no de ganar millones de euros a base de marketing y efectos especiales. Una mirada retrospectiva a un pasado que si bien tiene sus cosas malas, yo personalmente no cambiaría por nada.

¿Conocías esta película? ¿Sabías que está basada en un libro?

¡Nos vemos la semana que viene!

Balas sobre Broadway (1994)

Dirección: Woody Allen

Reparto: John Cusack, Diane Keaton, Chazz Palminteri, Jim Broadbent, Tracey Ullman, Jennifer Tilly, Mary Louise Parker, Harvey Fierstein

SINOPSIS

Un escritor de teatro novel, David Shayne, desea fervientemente que una de sus obras se estrene en el mismísimo Broadway. Parece imposible de conseguir, y en su desesperación, David acepta la financiación de un gánster que únicamente le pone la condición de aceptar como actriz a su novia Olive Neal, una desgarbada y pésima actriz. El guardaespaldas que cuida de Olive comienza a modificar la obra de David, la actriz protagonista, una diva venida a menos de la que David se enamora y los enfrentamientos entre los actores hacen que todo se vaya al traste.

OPINIÓN PERSONAL DE «BALAS SOBRE BROADWAY»

Encantado de verte de nuevo por aquí. Hoy, sin saber por qué, coincidimos en última cifra del año, y si hace unas semanas “Pesadilla en El Street” cumplía cuarenta años, esta película de la que te vengo a hablar hoy cumple diez menos. Treinta primaveras hace que se estrenó una de las mejores comedias del director Woody Allen.

Si eres fan del cine, puedes pensar que el señor Allen tiene filmes mucho mejores, pero mi afirmación radica en que en esta película NO SALE el señor Allen. Lo siento, no me gusta. No me hace gracia, no me parece buen actor y me resulta excesivamente cargante. Y aunque el personaje principal que interpreta el actor John Cusack es la viva imagen de los papeles que Woody Allen se reserva para él mismo (histriónico en exceso), en la piel de Cusack me resulta incluso divertido.

La ambientación de la película, los años veinte, está muy bien conseguida. Desde las localizaciones hasta el vestuario de las actrices y actores. Ya te comenté en algún otro post, lo que me llama la atención cuando se recrean escenarios de otras épocas. El trabajo del equipo de vestuario, de arte, de peluquería y maquillaje, me parecen muy a tener en cuenta.

La desesperación del director va en aumento hasta el clímax final, y Cusack sabe navegar con un personaje hecho a medida para el director, pero que gracias a dios decidió no interpretar, imagino que por tratarse de un director joven. Cusack domina las situaciones que se descontrolan y sabe lidiar con todos los inconvenientes que le surgen al protagonista. Jennifer Tilly resulta sublime en su papel de novia del gánster, burda y soez tratando de aparentar una delicadeza y clase de la que claramente carece. Su voz original (el doblaje también, ojo) le suma puntos, ya que es una actriz que posee un timbre de voz chirriante y desagradable cuando quiere. Todo el elenco de actores hace una interpretación soberbia de sus personajes, mostrando el amplio abanico que nos podemos encontrar en un montaje teatral (siempre de forma exagerada) y las diferentes personalidades que tratan de confluir en un mismo proyecto. Si trabajas en el teatro, entenderás de lo que estoy hablando, y seguro que te has cruzado con alguno de ellos. O eres uno de ellos, que también podría ser.

Si algo tengo que reconocer de este director, es su capacidad con los diálogos. Resultan bien marcados para cada uno de los personajes. Sabe conseguir que cada uno de ellos tenga una personalidad muy bien definida. Y eso es una parte muy importante de una película. El guion por muy bueno que sea, si no tiene unos buenos diálogos, pierde puntos y a veces se estampa frente al público. Un diez por esos comentarios de Helen Sinclair o de Olive Neal. Brutales.

Una crítica mordaz al mundo del espectáculo llena de diálogos absurdos que esconden entre líneas mensajes en los que pensar seriamente. Al final, el teatro es como la vida. A veces tienes que tragar con gente que no congenias, porque no eres tú el que está arriba. Y si quieres salir adelante, o vas solo o te apoyas con gente de todo tipo. En ti está la decisión.

No es relevante a nivel cinematográfico, pero sí a nivel personal. Cinco años después del estreno de este filme y a punto de terminar la carrera de interpretación, nuestra compañía estrenó una versión teatral titulada “Sueños de un director”, que obtuvo varios premios en el certamen Málaga Crea de ese año. Puedes ver un poco su historia por AQUÍ.

¿Conocías esta película? ¿Te gusta Woody Allen o reniegas de él como actor al igual que yo?

¡Nos vemos la semana que viene!

Disco Ibiza Locomía (2024)

Dirección: Kike Maíllo

Reparto: Javier Lorente, Alberto Ammann, Blanca Suárez, Alejandro Speitzer, Iván Pellicer, Albert Baró, Pol Granch,  Javier Morgade, Vito Sanz.

SINOPSIS

En mitad de la década de los ochenta, un grupo de amigos apasionados por la moda, se convirtieron en el reclamo más importante de la discoteca más famosa e internacional de Ibiza. Su vestuario transgresor, sus bailes con unos inmensos abanicos y el carisma de su creador, Xavier Font, llamo la atención del productor Jose Luis Gil, que les convirtió de la noche a la mañana en estrellas de la música. Pero el camino al éxito no fue un camino de rosas y en este biopic del grupo Locomía descubriremos el por qué.

OPINIÓN PERSONAL DE «DISCO IBIZA LOCOMÍA»

Te doy la bienvenida un domingo más y esta vez a ritmo de “Rumba-Samba-Mambo” como dirían los protagonistas de esta película que te traigo hoy. Vamos con una película española estrenada hace unos meses, pero que ya está disponible en Netflix.

Si hay algo que me ha gustado de esta película, es lo cercana que se encuentra de la realidad que vivieron todos ellos. Y si la vi con toda esa información en mi cabeza, es porque hace unos años, en el 2022, la plataforma Movistar+ estrenó un documental de tres episodios acerca de toda la historia de Locomía, desde su creación en Ibiza hasta su desaparición del mundo del espectáculo. Y en ese documental hablan prácticamente todos los involucrados sin dejarse nada en el tintero. No escatiman en detalles escabrosos, que aunque duelan, sucedieron. Y ese documental me sorprendió porque jamás imaginé todo lo que se escondía tras esos abanicos, esos zapatos de punta y esas hombreras imposibles. Muy interesante poder verlo antes y después lanzarte a ver la película.

¿Por qué? Porque aunque existen trazas de humor en algunos momentos de la película, el grueso es exactamente igual al que relatan sus participantes. Y aunque suene a desmedido, muchas de aquellas cosas pasaron.

La película pasa por alto algún que otro abandono del grupo, intercambio, etc, pero es que como te digo, el documental te cuenta la historia con pelos y señales y no tiene desperdicio. De ahí que algún personaje como Fuentes no estuviera presente en el final de Locomía, pero en la película sí que está. Pero nada relevante como para decir que no es verídica. Y vamos a la pluma. La pluma existía, existe y existirá. A colación con el documental, verás que no han exagerado nada a ninguno de los personajes. Primero, porque es un biopic y debes ser lo más fiel a la realidad y segundo, porque la mayoría de ellos están vivos y merecen un respeto.

Quizá me sobraba alguna que otra escena subida de tono que aunque imagino que tratara de reflejar la forma de ser de aquel grupo de Ibiza (que eran bastantes más de los que conocimos) no la considero excesivamente necesaria. La estética de aquellos locos ochenta está muy bien recreada gracias al trabajo de vestuario y maquillaje. Y no sólo los extravagantes trajes de los integrantes, sino todos los que les rodean, tanto en la famosa discoteca de Ibiza, como en su carrera al estrellato. Aunque en los créditos podemos ver las imágenes reales comparadas con las de la película, el documental del que os hablo es el claro ejemplo de lo bien estudiado que está ese campo del filme. Un diez por eso.

Los protagonistas. Bueno, debo resaltar la increíble actuación de Alberto Ammann como Jose Luis Gil, que si bien físicamente no se parece, habla prácticamente igual, lo que supone un trabajo de dicción muy reseñable. Y te lo digo porque en el documental, Gil habla largo y tendido, así que cuando escuché a Alberto me sorprendió gratamente. Alejandro Speitzer como Carlos (protagonista de “Alguien tiene que morir”), creo que es el que menos me ha convencido, y el que más me chirriaba. Cosa que no me ocurrió con Blanca Suárez, ya que el personaje de Lurdes fue muy importante en el nacimiento de Locomía y jamás se le dio importancia. Y ella, junto a Xavi, fueron los creadores de la estética y el universo Locomía.

Un relato oscuro sobre el interior de la industria musical, por el que si bien pasa de puntillas, deja muy claro quién tiene la sartén por el mango, quién es capaz de arruinar los sueños de unos jóvenes que jamás imaginaron lo que les ocurrió, y sobre todo quienes se equivocaron con sus acciones. Una lucha de egos que acabó con uno de los grupos más emblemáticos de la época, que no por ello de los mejores. Pero sí de los más relevantes.

Como película que es, se toma varias licencias que no voy a revelar, para mitigar un poco la batalla Font-Gil que a día de hoy aún perdura. Pero se le perdona al director por el hecho de querer dar un cierre digno a una historia que todavía no ha terminado.

Nunca fueron un grupo muy de mi estilo, he de reconocerlo. Pero lo que sí provocaron en mí, fue ese sentimiento oculto de “ellos son como yo”, aunque nadie diga nada. Me llamaban mucho la atención sus estéticas, la forma en que se movían y por qué no, lo guapos que me parecían. Aunque en esa época no entendiera todavía muy bien la razón de esos sentimientos.

¿Quién tuvo la culpa de que Locomía desapareciera? Yo, tras el documental y la película, lo tengo muy claro. ¿Y tú? ¿Charlamos?

¡Hasta la semana que viene visitante!