TODAVÍA TENGO TIEMPO

Todavía tengo tiempo(2022)


Ubicación: 13 de febrero en La Nave (Málaga)

Autor: Alexander J. Cox

Dirección: Daniel Galbeño

Reparto: Alexander J. Cox y Manuel Samper

SINOPSIS

Ricardo acaba de perder a su marido Miguel. Es de noche y Ricardo vuelve al hogar conyugal. Solo, analiza y deconstruye su relación con Miguel, analizando una vida que no ha sido fácil en ninguno de los aspectos. Su recorrido angustioso durante todo ese tiempo en soledad, solo tiene un único objetivo: todavía tiene tiempo para sincerarse.

HISTORIA

El autor del texto soy yo, y en este huequecito te voy a contar cómo surgió la idea de esta historia. Cuando terminé de publicar “Suicidio del 97” y me encontraba inmerso en las ideas para la segunda parte, decidí escribir un texto teatral sólo para mí. Un monólogo en el que no necesitara a nadie más. Simplemente, porque por aquella época, trabajaba una semana de mañana y una semana de tarde, y así me resultaba bastante complicado poder ensayar en cualquier compañía. A raíz de esta idea, me acordé de la gran obra de teatro “Cinco horas con Mario” y en un juego de palabras (en su momento creí que bastante acertado), lo transformé en “Cinco horas y cuarto con mi marío”. Y así comenzó la andadura de este proyecto, donde quería contar la historia de alguien que vela a su marido fallecido. Y tenía que ser otro hombre el que le velara. El campo me ofrecía una amplitud de miras hacia lo que poder contar. Y así lo hice. Cuando comenzamos el montaje, el director Daniel Galbeño, creador de Antinomia Teatro, sugirió un cambio de título, puesto que el texto poseía la suficiente fuerza y carisma como para necesitar hacer referencia a otra obra teatral. Y que aquel título se prestaba a error, por parecer una obra cómica, cuando en realidad no lo es. Y así surgió “Todavía tengo tiempo”. Y ha sido una elección acertada, sin duda. Elegimos a Manuel Samper para que interpretara a Miguel, y también fue una elección acertada.

OPINIÓN PERSONAL DE «TODAVÍA TENGO TIEMPO»

Obviamente, como habrás observado en el cartel, es una obra en la que yo participo, así que esto no es una crítica, sino más bien una explicación de lo que podrás ver si decides visitarnos. Huelga decir, que tanto el elenco como el director, estamos muy orgullosos del trabajo realizado y que el día del estreno fue un éxito arrollador. Por eso escribo hoy sobre ella, porque creo que es una obra de teatro que debe ser descubierta y disfrutada por mucha gente.

Durante todo el proceso de creación, hemos trabajado con el imaginario, rascando en los sentimientos más humanos y en las sensaciones más duras que se pueden sentir. Puesto que, como ya habrás deducido, la historia es bastante dura y complicada de trabajar. Cada frase esconde un significado especial, algunas veces un doble sentido. Siempre apoyados por la escenografía del director y la iluminación, aparentemente sencilla, pero que encierra muchos mensajes. El pasado, el futuro, Miguel, Ricardo, el presente. Todo toma forma en aquel juego de luces que se apagan y se encienden. El espacio sonoro juega un papel también muy importante, sabiendo mezclar esa ternura y calidez del romanticismo más puro, con los sonidos más dolorosos y angustiosos. Todo para transmitir, junto al texto, cada sensación que ofrece la pieza.

¿Y por qué dos personajes? Porque pensamos que Miguel también podía tener una historia que contar. En un trabajo conjunto, decidimos incluirlo en la historia, y el director supo dotar al personaje de Miguel del peso suficiente para que viaje junto a Ricardo durante todo el proceso de aceptación. Además, el trabajo ha sido espectacular. Muy intenso, pero hemos creado una buena conexión entre los tres. Y eso se nota en la puesta en escena.

El director trabaja el duelo desde la melancolía. Ese camino a recorrer por parte de Ricardo, para poder liberarse, tanto a Miguel como a él mismo. Un camino que muestra los miedos, los anhelos, las verdades y las mentiras. Todo ello para conseguir esa liberación mutua que ambos necesitan.

A título personal, debo decir que uno de los muchos mensajes que quería destacar de este texto que escribí, era el de la igualdad. Como expliqué en el coloquio que tuvimos posterior al estreno, yo crecí viendo películas, series, obras de teatro, leyendo libros, en los que parejas heterosexuales vivían preciosas historias de amor. Sufrían, reían, lloraban, tenían su final feliz. Otras veces no, pero siempre conseguían sobrecogerme. Y muchas veces yo deseaba ser esos personajes, vivir todas esas emociones. Siempre con los sentimientos a flor de piel (ya sabes lo que a mí me gusta un buen lloriqueo) y sintiendo cada momento de las historias. Pues eso quería conseguir yo; que la gente se estremeciera, se sintiera identificada con la historia, independientemente de su orientación sexual.

Si yo era capaz de transmitir al público el sentimiento de tristeza, soledad y miedo de Ricardo, sin tener en cuenta a la persona a la que había perdido, habría tenido éxito. Y creo que lo conseguimos. Y por eso me siento tan orgulloso.

Al final, lo más importante que puedo deciros para que os pique el gusanillo y vengáis a visitarnos es el hecho de que vais a descubrir una historia sincera, dolorosa y esperanzadora. En ella, conoceréis a dos personajes unidos en la vida y en la muerte. Secretos escondidos, sueños rotos y la visión de un futuro completamente diferente al soñado. Una historia de amor y dolor a partes iguales, en la que la búsqueda de la verdad y la redención juegan un papel importante.

Tras esta segunda actuación (entradas aquí), viajamos a Luxemburgo para representarla allí el 25 y 26 de febrero. Después representaremos en Madrid el 2 y 3 de marzo en la Sala Off Latina, y a partir de ahí, lo que nos llegue. Que ganas no nos faltan.

También decirte que tenemos este teaser y que nos entrevistaron tanto en PTV como en 101TV, por si te apetece echarle un ojo. Quizás te entren más ganas aún.

¿Ya nos has visto? ¿Te ha gustado? Espero tus comentarios y opiniones.


TODAVÍA TENGO TIEMPO en La Nave 2022



SANTÍSIMA

Santísima(2021)


Ubicación: 24 de Noviembre en Contenedor Cultural (Málaga)

Autor: Alonso Gil Gil

Dirección: Alonso Gil Gil

Reparto: Lori Reina

SINOPSIS

Rita Basarti es una monja joven y descarada destinada, por la gracia de Dios, a convertirse en santa. O al menos eso lleva esperando toda su vida. Una audiencia en el Vaticano será el escenario desde donde descubriremos por qué ha de ser la elegida para este designio divino.

El espectáculo reflexiona sobre la identidad de la fe moderna y la persecución de la aceptación social e individual.

HISTORIA

Alonso Gil Gil concibe esta historia durante la pandemia que nos sacude en el pasado 2020. En su búsqueda de temas sobre los que escribir, Pablo Messiez y Santiago Loza le inspiran a investigar en el mundo de los monólogos, donde las estructuras de los textos dramáticos se desdibujan para dar cabida a la investigación y desorganización. Acercándose más a la narrativa que a una clásica pieza teatral, se convierte en el primer proyecto de la compañía Ujo Teatro. Un espectáculo de un solo personaje, en el que el autor ahonda sobre temas que le rodean y le preocupan (problemas de identidad o cómo se entiende la fe), mostrando a un personaje disociado de la realidad, en búsqueda del amor perpetuo.

OPINIÓN PERSONAL DE «SANTÍSIMA»

La compañía malagueña Ujo Teatro nos presenta un espectáculo teatral de un solo personaje que se adentra en la vida de una monja que desea ser santa. Rita Basarti es enviada al Vaticano para convencer a sus santidades acerca de su beatificación. Ella quiere ser santa, cree que lo merece y que su vida ha sido un cúmulo de pruebas que la hacen digna de tal nombramiento. Pruebas que ella misma se ha impuesto y sufrido con el único objetivo de ser declarada santa y así poder ser amada. Así lo concibe ella y su recorrido te sorprende, desde su infancia, compleja y confusa, hasta el día de su reunión con los jueces del Vaticano. Mediante flashbacks, Rita nos va desgranando el recorrido que ha realizado hasta estar ante nosotros, esperando ser entendida, aceptada y amada. Sobre todo, amada.

La obra es dura, no te lo voy a negar. Aunque realmente no es la imagen que ofrece en un principio. Cuando las luces se encienden, conocerás a Rita, que juega equilibradamente entre una leve comedia y un sutil drama. A medida que la obra avanza, descubrirás que nada es lo que parece. Momentos duros que te harán revolverte en el asiento y situaciones divertidas que te harán sonreír. Y es que el autor sabe cómo relajar al espectador después de mostrarte lo más oscuro y depravado del recorrido de Rita. Y eso se agradece, puesto que la historia es todo menos liviana. El autor crea composiciones visuales e imágenes que juegan con luces y sombras, acompañadas de un espacio sonoro que compacta a la perfección en el espectáculo.

Lori Reina se encarga de dar vida a la irreverente monja Rita Basarti, intérprete formade en la Escuela Superior de Arte Dramático de Málaga. Un solo personaje sobre el que cae todo el peso de la historia. En soledad ante el público, nos cuenta sus vicisitudes desde su infancia hasta el momento en que solicita su beatificación. La fuerza de su interpretación se come el escenario, te atrapa, te envuelve en esa vida cedida a los demás, te estremece su dolor, su resignación, su entrega. Una interpretación desgarrada que sobrecoge durante las casi dos horas de espectáculo, lo cual es un mérito increíble. Mi más sincera enhorabuena al gran trabajo de Lori.

Al final, es el propio espectador el que tiene en sus manos la decisión de si Rita merece o no ser santa. Porque hemos hecho sin darnos cuenta, de jueces del Vaticano; hemos escuchado su historia, hemos sido cómplices de esa entrega abierta en canal al prójimo. Y cada uno decidirá allí, o nada más salir, o incluso en casa antes de dormir, si Rita debe ser santa y por qué. Puesto que cada uno observará la vida de este personaje desde su prisma particular, desde su educación y sus creencias. Y ahí es donde la obra de Alonso Gil da en el blanco. No hay un final cerrado para el espectador, hay una interrogación sobre todo lo que acaba de ver. ¿Tú qué crees? ¿Entiendes a Rita? ¿Empatizas con ella o no? Al final, salir de un teatro e irte a casa pensando tampoco está tan mal ¿no?

Te ríes, te revuelves en el asiento, te sorprendes, te emocionas… ¿Qué más le puedes pedir a una obra de teatro? Ah sí, te hace pensar. Pensar hasta donde estás dispuesto a entregarte a los demás, y si de verdad los demás lo merecen. Me gusta. Me agrada que me hagan pensar más allá de lo meramente convencional. Y Alonso Gil Gil lo consigue con esta obra. Con un texto lleno de matices, de giros, de reflexiones escupidas directamente al público, para calar en nuestra psique y hacernos reaccionar ante una historia tan dulce como cruel. Una simbiosis agridulce que te tocará el corazón.

Osea, que te recomiendo este montaje teatral por todo lo anterior; además si bicheas en su ig, podrás descubrir, que el autor ha sido galardonado hace muy poquito con el Premio Federico García Lorca de la universidad de Granada por el texto dramático «Los dientes de leche», uno de los dos nuevos proyectos de la compañía. Con lo que ya te puedes hacer una idea de la calidad de los proyectos de esta compañía. Y no puedo estar más orgulloso de esta noticia, puesto que tengo el inmenso placer de trabajar en ese proyecto que verá la luz el año que entra. Y te aseguro que pinta muy bien, igual que esta «Santísima».

El año que está a punto de empezar, Ujo Teatro volverá a deleitarnos con esta obra, así que te recomiendo que te pases por su web Ujo Teatro o les sigas en su ig @ujoteatro para poder disfrutar de un espectáculo intimista, duro y poético a la vez.

¿Viste el estreno de esta obra? ¿Te gustó? Espero tus comentarios y opiniones.


SANTÍSIMA en Contenedor Cultural 2021



LA MÁS FUERTE

La más fuerte (2021)


Ubicación: 7 de noviembre en Sala OFF, La Latina (Madrid)

Autores: August Strindberg

Dirección: Daniel Galbeño

Reparto: Luna Lobato y Sonia Ocampo

SINOPSIS

Una cafetería. Dos mujeres frente a frente. Una habla y la otra calla. Una tiene mucho que contar; la otra no le queda más remedio que escuchar. Una lucha entre el silencio y la palabra. Una infidelidad, una mujer herida. Un monólogo lleno de reproches, ataques, dolor y resurgimiento tras la caída.

HISTORIA

«La más fuerte» es una pieza teatral corta de un sólo acto, que Strindberg escribió para su mujer Siri Von Essen, la cual poseía inquietudes teatrales aunque nulas aptitudes. Escrita en 1888 para tratar de crear un nuevo teatro experimental en Copenhague, es considerada a día de hoy, como uno de los más increíbles monólogos de la historia del teatro. Y se le considera monólogo, aunque la pieza nos muestra a dos mujeres, una de ellas nunca hablará, siendo la otra la única que habla. 

OPINIÓN PERSONAL DE «LA MÁS FUERTE»

Antinomia Teatro recupera uno de los textos más brutales del gran escritor Strindberg y redibujan una historia vista desde una nueva perspectiva. La compañía se sumerge en la psique humana en un espectáculo lleno de simbolismos y elementos oníricos.

El director, Daniel Galbeño, nos ofrece una nueva visión del famoso texto de Strindberg, entre dos mujeres en una cafetería, en la que una vomita todo su dolor y su rabia mientras la otra escucha sin emitir palabra alguna, transformando la historia de un espacio externo y realista hasta convertirla en la psique autodestructiva y tóxica de la protagonista.

En esta revisitación de «La más fuerte», Amelia es la protagonista (en la obra original, Amelia es el personaje que escucha en silencio), mientras que el personaje que escucha es su sombra, su reflejo, su parte oscura. Amelia ataca una y otra vez a su sombra con las palabras, tratando de avanzar una y otra vez, y chocando, también una y otra vez, con la realidad de su propio yo. Esa lucha interna de Amelia por afrontar la realidad de su ser, ese camino por recorrer para descubrir que lo importante es amarse uno mismo, ese descubrimiento del cierre de un círculo que ella misma descubre en su monólogo.

Dos actrices realizan la creación de Amelia y su sombra. Sonia Ocampo es la encargada de dar vida a Amelia y cargar con el peso «textual» de la obra, mientras que Luna Lobato la rodea durante todo el espectáculo como el espejo al que Amelia se enfrenta sin parar durante toda la obra. Dos actrices jóvenes que impregnan el espacio de una sensación de «mal rollo», de ese sentimiento de incomodidad placentera, de qué está pasando aquí, de una sensación de «por dónde va a salir esto».

Y es que las imágenes que el director crea en diferentes momentos de la obra son de una gran belleza, altamente inspiradas en piezas artísticas de todas las épocas. El juego de luces acompaña a un espacio sonoro muy acertado que envuelve una escenografía tan sencilla como justa. Una mesa, dos sillas y un traje de novia crucificado en el centro. La muerte de la moral cristiana, de lo establecido, de algo latente entre nosotros aunque no seamos plenamente conscientes de ello.

El simbolismo de la fruta nos ofrece momentos duros, crueles, dolorosos, nunca esperanzadores. Plátanos, manzanas, fresas… Referencias fálicas, numerología oculta, armonía que aparece y desaparece, equilibrio que creemos que va a instalarse en la protagonista y de pronto se diluye como el humo. La fruta, alimento de corta vida y rápida putrefacción, nos muestra lo orgánico de la visión de éste director.

A nivel personal, he de ser sincero, me ha emocionado en bastantes momentos (ya, soy de llorar, pero es que ha habido bastantes momentos muy intensos); los lanzamientos sensoriales que tanto el director como las propias actrices escupen al público me han sorprendido. Las miradas desafiantes de la sombra traspasan a Amelia para dirigirse directamente hacia el público, haciéndole partícipe de todo lo tóxico que envuelve a este personaje. Un personaje, que muy a nuestro pesar, se esconde en cada uno de nosotros (aunque a algunos les sea más fácil lidiar con él que a otros), por eso cada mirada, cada sonrisa maliciosa, cada risa, golpean como un puñetazo en medio del pecho. Dos actrices con una gran fuerza dramática, se enfrentan en una lucha titánica, en un tira y afloja desacompasado, todo por conseguir ser la más fuerte; o al menos, hacer salir a la luz a la más fuerte. Aquella que afrontará salir adelante sin miedo, sin excusas, con ganas.

Con una corta andadura profesional, Antinomia Teatro demuestra el buen hacer de su creador Daniel Galbeño, así como la calidad de sus proyectos, tanto a nivel técnico como personal. De camino a Madrid a principios de este mes, en la sala OFF La Latina. Podéis seguir a esta compañía en su instagram Antinomia Teatro para conocer futuras actuaciones y nuevos proyectos.

¿Ya habéis visto este montaje? ¿Os gustó? Espero vuestros comentarios y opiniones.


LA MÁS FUERTE en La Nave 2021



A CHORUS LINE

Crítica de A chorus line por Alexander J. Cox

A chorus line (2019)


Ubicación: Teatro del Soho, Málaga

Autores: James Kirkwood y Nicholas Dante

Dirección: Michael Bennett y Baayork Lee

Reparto: Antonio Banderas, Alberto Escobar, Fran del Pino, Anna Coll, Aarón Cobos, Cassandra Hlong, Ivo Pareja-Obregón, Sarah Schielke, Kristina Alonso, Albert Bolea, Angie Alcázar, Lorena Santiago, Daniel Délyon, Diana Girbau, Beatriz Mur, Roberto Facchin, Fran Moreno, Estibalitz Ruiz

SINOPSIS

La historia de este musical gira en torno a un grupo de bailarines profesionales que acuden a Nueva York para participar en un casting para un nuevo musical. Ante ellos está Zach, un prestigioso director de musicales de Broadway, encargado de seleccionar al cuerpo de baile de la producción. El musical nos presenta a cada uno de los personajes, así como las razones por las que se han dedicado al mundo del espectáculo.

HISTORIA

Este musical fue estrenado oficialmente en 1975 en el Shubert Theatre de Broadway tras haber permanecido un tiempo en el Off Broadway. Desde su estreno, se convirtió en un gran éxito de crítica y público, siendo galardonado con innumerables pemios. Durante más de una década y media, permaneció incombustible cada noche. Como buen musical de éxito, tuvo su película en el año 85 a cargo de Richard Attenborough.

OPINIÓN PERSONAL DE «A CHORUS LINE»

Sí,. lo sé. He tardado en escribir ésta reseña acerca del musical que vi antes de las navidades del 2019. Ha sido bastante tiempo después cuando he decidido contarte lo que me pareció éste espectáculo. Porque me ha costado dar el paso.

Comenzaré explicando mi relación con éste musical, para hacerte partícipe de los sentimientos que despertó en mí. Crecí viendo ésta película cuando era un pequeñajo y me marcó mucho la historia, tan sencilla, tan innecesaria de grandes decorados o efectos visuales. Un escenario vacío, un grupo de aspirantes, un casting donde cada uno trata de mostrar la mejor parte de sí mismos. Y no hay más, no se necesita más. Porque la historia es simple, pero llena de matices que le aporta cada uno de los personajes. Y eso es lo que me enamoró de ésta película. Las ganas de luchar por tu sueño con todas tus fuerzas y el saber si lo vas a conseguir o no.

Trataré de ser lo más objetivo posible, porque como sabes, no me gusta hacer malas críticas. Así que intentaré ceñirme a lo que me gustó de éste musical.

El elenco me gustó en su mayoría, Buenos cantantes y bailarines, algún que otro problema de dicción, o más bien de proyección, pero nada tan chirriante como para restar mérito al equipo en general. Las composiciones visuales de los protagonistas, junto con los juegos de luces, crearon cuadros muy bellos. Destacaría por encima a la actriz que interpretó a Sheila (Kristina Alonso) y al actor que interpretó a Paul (Fran Moreno). Bueno, para mi gusto sobresalían por encima del resto.

Como no conocía la historia real del musical, la historia de Cassie con Zach me ha parecido mal resuelta. Y te explico: en el film, ella llega y solicita hacer la prueba con el resto de participantes y así surge el enfrentamiento. En la obra teatral, Cassie ya está mezclada entre los aspirantes (lo cual hizo que me costara ubicarla) así que Zach ya sabe que está ahí, por lo que el enfrentamiento de ambos, pasado un buen tramo del espectáculo, me resultó chocante, sin mucho sentido. pero repito, igual la historia real era así y se modificó en el film.

La escenografía, es practicamente nula, al igual que en la película, porque realmente la historia no precisa de ella. He de reconocer que el juego de los espejos giratorios y las luces han creado momentos bastante bellos y llamativos. Pero es que poco más se puede hacer con la trama.

Siendo conocedor de la historia, debo reconocer que para ser el estreno del Teatro del Soho, me ha resultado una apuesta poco arriesgada pero muy efectista. Tirando de ese regusto por el revival de uno de los musicales más famosos de Broadway, y que a su vez no necesita una puesta en escena costosa. Porque la decisión de ir a ver éste espectáculo, a mí personalmente, me removió mi infancia y quería viajar al pasado para recordar lo que sentí cuando era niño. Y me lo removió, a nivel sensorial. A nivel artístico, tengo que admitir que el Teatro del Soho y Antonio Banderas debería haber apostado por la grandiosidad de cualquier otro musical, antes que arañar los corazoncitos de gente como yo. Porque de verdad que lo disfruté, pero no estoy muy seguro de qué porcentaje era emocional y cual crítico.

Por lo que, para concluir, mi opinión acerca de éste musical tiene mucho trasfondo emocional sobre lo que significó en mi infancia la producción cinematográfica. Para el resto, creo que lo he explicado bastante bien.


A CHORUS LINE en el Teatro del Soho 2019



WICKED

Opinion de Wicked

Wicked (2017)


Ubicación: Teatro Apollo Victoria, Londres

Autores: Stephen Schwartz y libreto de Winnie Holzman

Dirección: Joe Mantello

Reparto: Nikki Bentley, Helen Woolf, Alistair Brammer, Kim Ismay, Andy Hockley, Simeon Truby, idriss Kargbo y Carina Gillespie

SINOPSIS

Este famoso musical está basado en la novela Wicked: Memorias de una bruja mala de Gregory Maguire. La historia nos cuenta los sucesos acaecidos antes de la llegada de Dorothy a la ciudad de Oz, así como la relación entre Elphaba y Glinda, y como la situación social en Oz hace que ambas pongan en duda su amistad y decidan tomar caminos separados. Con una historia mágica, el autor nos muestra los grandes males actuales, tales como el racismo, la discriminación de clases o el abuso político.

HISTORIA

Estrenada en el año 2003 en Broadway, sus principales actrices fueron Idina Menzel y Christine Chenoweth, las cuales consiguieron gran fama por sus papeles. Nominada a diez premios Tony (de los cuales ganó tres) es uno de los musicales más longevos de la historia, siendo representado en multitud de países. Desde su estreno ha conseguido más de cien galardones.

OPINIÓN PERSONAL DE «WICKED»

Enamorado de esta historia. In love con este musical. Muero de amor por estos personajes. Sí, he de confesar que no me decepcionó para nada este espectáculo. Por supuesto, la gran mayoría de seres humanos ha podido disfrutar de algún musical en su vida, sobre todo a nivel cinematográfico. Porque existirán pocos que no hayan visto Sonrisas y lágrimas, Grease, Mamma mia o High School Musical (por tocar muchos palos…) Cierto es, que no es un género que guste a todo el mundo, pero para los que realmente disfrutan con este tipo de películas, disfrutar de un musical en vivo es algo que se debe hacer, por lo menos, una vez en la vida. Y eso supone que no será una sola vez; porque querrás repetir.

El teatro Apollo Victoria es un teatro de finales de los años veinte y está ubicado en el West End de Londres. Este musical se estrenó en el año 2006 y aún sigue su andadura trece años después. Y está claro el por qué. Una historia mágica, una puesta en escena grandiosa, aprovechando la altura de su escenario y su gran tamaño. Una orquesta perfectamente coordinada con unos actores sublimes; un vestuario cuidado al detalle y una gran historia, cierran el círculo de un espectáculo perfecto.

Este teatro ofrece unos anteojos, situados en el lateral del reposabrazos, que por una libra puedes utilizar durante el musical. Tras la función, puedes recuperar tu libra volviendo a enganchar los pequeños prismáticos en su sitio (tentado estuve de llevármelos de recuerdo, pero me pudo más mi buen corazón…). El escenario nos muestra al principio en su pared del fondo el mapa de Oz, donde podemos vislumbrar la ciudad esmeralda y lo que se expande a su alrededor. A partir de ahí, mientras esperas que la obra empiece, puedes observar las plataformas laterales perfectamente decoradas, donde más adelante sucederán muchas cosas.

Cuando la música comenzó a sonar y las luces se apagaron, comenzó el viaje a Oz. La historia es preciosa, triste pero espranzadora. Si por casualidad has visto “Oz, un mundo de fantasía” de Disney, debes olvidarte de ella, puesto que en esta precuela de “El mago de Oz”, la historia de Elphaba nada tiene que ver con “Wicked”. Ni los nombres coinciden. Elphaba es Theodora y Nesarossa es Evanora en la versión de Disney. Por lo que debes obviar esa versión.

¿Que está en inglés? Si. ¿Qué no entiendes ni una palabra de este idioma? Pues bueno, tampoco importa mucho. La obra es tan visual, tan colorida y tan directa en su ejecución, que podrán escaparse algunas de las ideas más políticas que flotan en el texto. Pero la esencia de la historia se comprende a la perfección. Como opción, también se puede consultar la sinopsis completa de la historia (que para eso tenemos internet) y con la lección aprendida, sentarse a disfrutar de este maravilloso show.

Por casualidades de la vida, en junio del año siguiente, tuve el placer de poder disfrutar de este maravilloso musical de manos de los alumnos de la ESAD de Málaga. Representaron la función durante 9 días con dos repartos diferentes. No puedo dejar de mencionar la maravillosa actuación de Lola Padial en el papel de Elphaba (el resto del reparto también fue soberbio) en una representación que nunca se podrá equiparar a la majestuosidad (escénica y económica) de un gran teatro como el Apollo Victoria, pero que a nivel espectáculo nada tuvo que envidiarle. Si, son estudiantes, es una escuela, de acuerdo. Pero no olvidemos nuca que la calidad no está reñida con la pomposidad. Lo vemos a diario; grandes eventos (cinematográficos, musicales etc…) que se ven ensombrecidos por pequeñas joyas. Pues, sin llegar a hacerle sombra, Wicked de la ESAD fue una de esas pequeñas joyas que, si las descubres en su justo momento, te acompañarán toda la vida en tus recuerdos.

Así que, en conclusión, si Londres, Broadway o cualquier lugar ebn el que se esté representando “Wicked” es tu próximo destino vacacional, no pierdas la oportunidad de disfrutar de ésta maravillosa obra maestra. Y si no te coincide, busca un buen musical, porque seguro que lo vas a disfrutar de igual forma.


WICKED en Apollo Victoria Theatre 2017



WICKED en la ESAD 2018



DON JUAN TENORIO

Opinion de Don Juan Tenorio

Don Juan Tenorio (2019)


Ubicación: Escuela Superior de Arte Dramático de Málaga

Autor: José Zorrilla

Dirección: Inma Ruiz

Reparto: Ceo Álvarez, Sofía Barco Sánchez, Milagros Benito, Juan Bertuchi, Cristina Fernández, Miguel García Manzanares, Juanjo Gómez, Juan Antonio Hidalgo, Elena Molina, Cristina Moreno, José Neva, Lori Reina, Higinio Rodríguez Álvarez

SINOPSIS

Don Juan Tenorio, mujeriego empedernido, realiza una apuesta con Don Luis Mejía en la que asegura ser capaz de enamorar a dos mujeres a la vez: a la prometida de Don Luis, Ana de Pantoja y a una joven novicia, Doña Inés. El padre de Doña Inés y el prometido de Doña Ana se baten en duelo contra Don Juan por el honor de sus mujeres, resultando ambos muertos en el lance. Don Juan huye a Italia y regresa cinco años después para descubrir que su amada Doña Inés ha muerto y las ánimas quieren arrastrarlo al infierno. Solo puede ser salvado si se arrepiente de sus actos.

HISTORIA

Una de las obras cumbre del Romanticismo, publicada en 1844 y representada hasta nuestros días sin descanso. Su autor, vallisoletano afincado en Madrid, posee una extensa colección de escritos, aunque su obra por excelencia fue esta pieza teatral. Tragedia por excelencia de la época, se sitúa su acción en el Siglo de Oro y ofrece en su segunda parte, el tan conocido romanticismo mágico que tanto gustaba en la época. La espiritualidad, la religión, las ánimas… Aspectos clásicos en los escritos del Romanticismo, que se unen a las escenas nocturnas, el misterio o la muerte trágica. Todo ello regado por el sentimiento que envuelve la obra: el amor exacerbado.

OPINIÓN PERSONAL DE «DON JUAN TENORIO»

Sublime. La calidad de este montaje no merece otro calificativo. Los asistentes a éstas funciones que se realizan en la Escuela Superior de Arte Dramático de Málaga siempre salen satisfechos de cada una de las obras que allí se muestran. Y aunque muchos crean que es por su bajo precio de entrada (cuatro euros para futuros montajes) nada más lejos de la realidad. La calidad de prácticamente todas las representaciones que allí se estrenan se encuentra muy por encima de la media de muchos estrenos teatrales de temporada (a un precio bastante abusivo y de una calidad bastante inferior en algunos casos). Cada representación es puro entretenimiento.

¿Qué son estudiantes? Si. ¿Qué es un montaje de una escuela? También. Pero esta escuela es una de las más prestigiosas de nuestro país, con actores y directores de gran nivel, además de contar con un teatro de gran calidad, un vestuario inmenso, unos atrezzistas, iluminadores y operarios de sonido que elevan la calidad de cada representación. Y eso hay que ir a verlo para disfrutarlo.

Pero centrémonos en Don Juan Tenorio. La profesora de dirección y doctorada Inma Ruiz, sube a las tablas a un nuevo Don Juan en pleno siglo XXI, para demostrar al público que los grandes clásicos nunca pasan de moda. Shakespeare siempre se encuentra en la cumbre de representaciones, pero Inma nos enseña que los grandes clásicos de nuestra patria no desmerecen un ápice al autor teatral británico por excelencia.

La obra dividida en dos partes claramente diferenciadas en el texto, quedan plasmadas sobre el escenario de una forma muy significativa. La primera parte, en aquel patio rodeado de las majestuosas columnas, centra la acción en los personajes sin necesidad de sobrecargar las tablas. La directora utiliza los recursos básicos para colocar al espectador en el centro de la historia; del resto ya se encargan los actores. La segunda parte en el cementerio es digna de ver. El trabajo de maquillaje, atrezzo y vestuario son soberbios. La frialdad que desprende aquel mausoleo se consigue a base de colores y matices muy bien elaborados.

El trabajo actoral se encuentra muy por encima de la media de las representaciones de compañías conocidas, lo cual es de agradecer. Cada actor se mimetiza con su personaje, cree en él y así nos lo muestra. Un equipo compenetrado que se sumerge en la historia para hacernos vivir cada frase, cada momento, cada tragedia.

Puesto que nos encontramos ante la futura representación de ésta obra, algunos de los actores originales de la función realizada en febrero no participarán de nuevo. Por lo que sin haber visto aun al nuevo Don Juan (Higinio Rodríguez Álvarez) no puedo dejar de destacar el excelente trabajo que el anterior Tenorio nos ofreció a los asistentes al estreno. David Quesada, que no participará en el nuevo montaje, nos deleitó con la personificación de un personaje excepcionalmente creado. Un actor que, si bien físicamente no se asemejaría a la visión que de Don Juan tenemos, consiguió crear a un Tenorio que devoraba cada escena en la que participaba. Su sola presencia llenaba el teatro de grandiosidad; un trabajo vocal y corporal digno de mención. Y para mí, una pena no poder disfrutar de nuevo de su trabajo. Así que, solo me queda desear toda la mierda del mundo (como decimos los actores) a Higinio ante un papel que es memorable y que seguro representa a la perfección, como ya lo hizo David. La misma mierda para el resto del equipo para el re-estreno de este maravilloso montaje.

Puesta en escena los tres primeros días de febrero de este año que vamos camino de terminar, la dirección de la ESAD ha decidido volver a representar esta obra en una fecha muy especial: en todos los santos. Lo cual no puede ser más acertado para una pieza teatral como ésta. Para quien no haya tenido el placer de disfrutar de este maravilloso espectáculo, la ESAD de Málaga volverá a poner en escena a su Don Juan los días 30 de octubre y 1, 2 y 3 de noviembre. No debes dejar escapar esta oportunidad de visionar una nueva versión del famoso Tenorio de manos de los alumnos de la Escuela de Arte dramático de Málaga. Porque con todas las letras, este Don Juan es todo un espectáculo.


DON JUAN TENORIO en la ESAD de Málaga 2019



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