The Full Monty (2022)

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Ubicación: Auditorio Municipal (Benalmádena)

Fechas: 11, 12 y 13 de agosto

Autores: Terrence McNally y David Yazbek

Dirección: David Ottone, Silvia Villáu y César Belda

Reparto: Sam Gómez, Falco Cabo, José Navar, Gustavo Rodríguez, Carlos Salgado, Piñaki Gómez, Rey Rojas, Marta Malone, Noelia Pardo, Marian Casademunt, Marta Arteta y Alberto Reinoso.

SINOPSIS

La historia comienza cuando la fábrica de acero de la ciudad deja sin trabajo a gran parte de la población masculina. Acuciados por las deudas, un grupo de estos hombres decide realizar un trabajo bastante particular que les otorgará dinero rápido para saldar sus pagos.

El grupo, formado por seis hombres, se lanzará a la aventura de realizar un espectáculo de striptease para las mujeres de su ciudad, en vista del éxito que tienen ese tipo de fiestas. Pero lo que no saben, es que tendrán que lidiar, no solo con sus temores físicos, sino también emocionales. Pero juntos conseguirán superar todos sus miedos y conseguir el temido “Full Monty”.

HISTORIA

Esta comedia musical está basada en la película británica del año 97 (como mi novela «Suicidio del 97») que cosechó un gran éxito. Un Oscar por su banda sonora y ya como obra teatral, nueve nominaciones a los premios Tony. La comedia original tiene libreto de Terrence McNally y música de David Yazbek, y fue un éxito desde el momento de su estreno.

OPINIÓN PERSONAL DE «THE FULL MONTY»

¡Hola de nuevo! Y tú te preguntarás ¿por qué hay un artículo hoy martes? Pues te lo explico rápidamente. Agosto es mi mes de vacaciones y suelo estar off de la página web casi todos los años. Pero justo este domingo no pude escribir reseña, aunque iba a ser la última antes del parón veraniego. Así que la escribo hoy porque me parece importante. El viernes 29 fui a ver esta obra de teatro y se representa de nuevo los días 11, 12 y 13 de agosto en el mismo lugar. Así que si no te hablo de ella ahora, en septiembre ya no estarán y no vas a tener la oportunidad de disfrutar de este espectáculo.

Gracias a una de mis mejores amigas me enteré de este montaje, puesto que como suele pasar en muchos sitios, la publicidad no ha sido excesivamente llamativa. Ella, novia de uno de los protagonistas me dijo que venían a Málaga (a Benalmádena exactamente) y que si me apetecía ver la obra. Obviamente acepté y allí que nos fuimos. El Auditorio de Benalmádena es un espacio abierto, así que no sabía muy bien cómo sería la acústica, sobre todo para los temas musicales. Pero lo cierto es que se escuchaba perfectamente.

Los actores y actrices realizan su cometido a la perfección. Los seis personajes principales (los seis hombres sin trabajo) aparecen muy bien definidos, por lo que, aunque no se parecen entre ellos, consigues descubrir a la primera la personalidad de cada uno de ellos. Seis maneras de ver la vida, seis formas de afrontar los miedos, seis artistas como la copa de un pino. Obviamente, al ser un musical, también debo hacer mención a sus voces a la hora de interpretar los temas. Una delicia también. No podría destacar el trabajo de ninguno de ellos por encima del resto, porque han creado una simbiosis muy buena entre todos. Los momentos en los que están todos juntos (casting, ensayos, etc) son hilarantes. No sabes a donde mirar, porque todos y cada uno de ellos reacciona ante cada acción que ocurre (cosa que no siempre pasa y denota la profesionalidad y tablas de todos ellos). El resto del elenco también dotan a la obra de una chispa de humor en muchos casos, y algún momento más tenso (las discusiones entre parejas y exparejas, por ejemplo) para ofrecer dinamismo a la historia.

Yo siempre he sido de la opinión que una escenografía minimalista hace destacar mucho más el trabajo de los actores y de la dirección. Y eso ocurre en muchas pequeñas compañías o como en mi proyecto teatral «Todavía tengo tiempo» en la que los recursos económicos no permiten una escenografía grandilocuente y hay que adaptarse al presupuesto. Pero es que en cualquier musical que se precie, la escenografía, la iluminación y el sonido, cuanto más llamativo, mejor. Así que me encanta destacar cuando en una obra de teatro aparece una escenografía digna de mención. En esta obra me llamó mucho la atención la plataforma creada para la representación. Una estructura metálica con cubos y paredes movibles que hacían que la acción cambiará de lugar con suma facilidad. Habitaciones, club de striptease, la calle, un baño, etc. Simplemente con un movimiento de paredes aparecían diferentes lugares de la acción y eso daba mucha agilidad a la obra. Aun así, sigo destacando el trabajo actoral de todo el elenco pero siempre es bonito ver el trabajo de un buen escenógrafo.

Como digo, la representación es al aire libre en un auditorio abierto pero eso que en un principio pensé que iba a ser un hándicap para la obra al ser musical no lo fue para nada. El trabajo en la cabina de sonido fue muy bueno, resolviendo incluso un pequeño problema que hubo con uno de los actores de una forma muy sutil.

Esta obra es casi un calco de la película original, habiéndosele añadido los temas musicales, puesto que la película no lo es. Quizás este mimetismo con el film, ha hecho que existan tantas escenas cortas, que a pesar de ello (puesto que eso está en el libreto original) son resueltas con mucha agilidad gracias a la escenografía que te he comentado anteriormente. Y en sí no es un “pero” al montaje. Ni mucho menos. Este espectáculo, a pesar de su gran calidad, no ha sido bien publicitada por el ayuntamiento y eso enfada. Al menos a mí. Porque se respira el amor a la profesión, el gusto por el trabajo bien hecho y un resultado de 10.

Así que si este agosto tienes ganas de una comedia con su toque de drama, no te puedes perder este espectáculo. Sólo tienes 3 días en el Auditorio, así que saca tus entradas y disfruta de un espectáculo lleno de buen hacer, buen gusto y sobre todo mucha, mucha calidad.

¿Ya has visto este montaje? ¿Te gustó? Espero vuestros comentarios y opiniones.

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THE FULL MONTY en el Auditorio de Benalmádena (2022)

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Kinky Boots (2022)

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Ubicación: Teatro Calderón (Madrid)

Autores: Harvey Fierstein y Cyndi Lauper

Dirección: Ricky Pashkus

Reparto: Tiago Barbosa, Daniel Diges, Angy Fernández, Alberto Sánchez, Daniel Huarte, Marc Flynn, Nil Carbonell, María José Capel, Malia Conde, Kristina Alonso, Roc Bernadí, Jimena González, Diego Rodríguez, Mariano Botindari, Lucía Ambrossini, Clara Lanzini, Javier Ariano, Javier Santos, Álvaro Cuenca, Danel Nogales, Jose Gabriel Atienza, José Montero, Sergi Terns y Jordi Díaz.

SINOPSIS

Charlie Price acaba de perder a su padre y trata desesperadamente de mantener a flote el negocio familiar, una gran fábrica de calzado. Charlie conoce a Lola, una artista que abre su mente con una idea especialmente nueva, que podría hacer resurgir el negocio de Charlie y salvar a todos sus empleados. Aprendiendo a salvar sus diferencias y aceptando esa nueva realidad, el éxito está asegurado.

HISTORIA

Esta historia, basada en un hecho real, está inspirada en la película de 2005 «Pisando fuerte», con canciones compuestas expresamente para el espectáculo por la artista Cyndi Lauper. El estreno tuvo lugar en Chicago en octubre de 2012, antes de dar el salto a Broadway en abril del 2013, dirigido y coreografiado por Jerry Mitchell. Ganador de 6 premios Tony de sus 13 nominaciones y ganador también de 3 premios Oliver en Londres.

OPINIÓN PERSONAL DE «KINKY BOOTS»

Bueno, es una pena que este musical haya llegado a su fin ahora que te hablo de él. De todas formas, hubiera sido prácticamente imposible llegar a tiempo, puesto que tuve el placer de verlo un miércoles y ese mismo domingo finalizó su andadura en Madrid. Y como ya sabes que publico los domingos, te hubiera sido bastante complicado disfrutar de este musical. Sobre todo porque ha sido un musical con lleno en prácticamente todas sus funciones. Y no es para menos.

Debo agradecer a mi amigo Fernando que me invitara a verlo, porque tengo que decirte que subí expresamente a Madrid para ver este musical, antes de que finalizara. Mi amigo me contó que el estreno y sus posteriores funciones fueron en el espacio Ibercaja Delicias y que era muchísimo más grande, por lo que probablemente esta versión sería más reducida y por lo tanto más realista. El teatro Calderón es precioso, empecemos por ahí. Ya solo el espacio hace que te invada una sensación de calidad y calidez que te predispone a que lo que vas a ver, va a ser especial. Y lo fue. Vaya que si lo fue.

Yo, especialmente, tenía muchas ganas de ver a Daniel Diges en directo, puesto que creo que tiene una voz espectacular. Y tengo que decirte que ha sido un placer escucharlo en directo. Su personaje es muy agradecido, mezclando momentos dramáticos con situaciones muy divertidas. Y a colación con situaciones divertidas, Angy Fernandez tiene un personaje alegre, dicharachero, muy payaso y ella le saca un gran partido. Su actuación de “The history of wrong guys” es brutal y muy divertida.

Tiago Barbosa me ha sorprendido mucho, aunque ya había leído que tenía una voz espectacular. Y es cierto. Si me apuras, supera a Daniel en potencia, aunque quizás en algunos momentos era difícil entender algunas partes de su texto. No olvidemos que es brasileño, por lo que alguna pronunciación no era especialmente definida. Pero tampoco deslucía su actuación ni muchísimo menos. Divertida, pícara, sentimental… Lola es un personaje que Tiago infunda de vida en el instante en que aparece en escena.

Los Angeles, o para que me entiendas, las drags que acompañan y trabajan con Lola. ¡Qué barbaridad! Tengo que decirte que estoy acostumbrado a ver espectáculos de drags, por lo que sé de lo que te estoy hablando. Si Fernando no me hubiera dicho que no son drags que ejercen de ello, no hubiera pensado nunca que no lo son. De hecho, Lola (Tiago Barbosa) hace una interpretación espectacular, pero sabes que no es una drag. Los Angeles solo bailan y cantan, no tienen texto hablado, por lo que su trabajo es corporal y vocal exclusivamente. Y vaya trabajo corporal. Una feminidad alucinante, cada detalle, cada pose, cada movimiento. Perfectos todos.

El resto del elenco, es decir, los trabajadores de la fábrica y Nicola, la novia de Charlie, complementan con un buen hacer y profesionalidad digno de mención. Todos se compactan en los números musicales, en las escenas en las que solo interactúan por la fábrica… Todo está cuidado al detalle y eso se percibe. Cero errores. Y eso es un placer.

Si es que es todo, el escenario (prácticamente igual al de Broadway), la orquesta, las actuaciones… Todo. Todo rezuma amor por el teatro, ganas de disfrutar y hacer disfrutar al espectador.

Para terminar, decirte que vi la película en la que se inspiró este musical y lo siento pero no. No me gustó. Imagino que sería por haber visto primero el musical. A continuación vi el musical de Broadway y la verdad. En España nos salimos. Para mí, la calidad es la misma en ambos espectáculos, osea que chapó por este elenco y esta producción, que esperemos vuelva a rodar por España y llegue a Málaga para repetir esta fantástica experiencia.

¿Qué musicales te gustan a ti? ¿Cuál me recomiendas?

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KINKY BOOTS en el Teatro Calderón (2022)

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Todavía tengo tiempo(2022)

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Ubicación: 13 de febrero en La Nave (Málaga)

Autor: Alexander J. Cox

Dirección: Daniel Galbeño

Reparto: Alexander J. Cox y Manuel Samper

SINOPSIS

Ricardo acaba de perder a su marido Miguel. Es de noche y Ricardo vuelve al hogar conyugal. Solo, analiza y deconstruye su relación con Miguel, analizando una vida que no ha sido fácil en ninguno de los aspectos. Su recorrido angustioso durante todo ese tiempo en soledad, solo tiene un único objetivo: todavía tiene tiempo para sincerarse.

HISTORIA

El autor del texto soy yo, y en este huequecito te voy a contar cómo surgió la idea de esta historia. Cuando terminé de publicar “Suicidio del 97” y me encontraba inmerso en las ideas para la segunda parte, decidí escribir un texto teatral sólo para mí. Un monólogo en el que no necesitara a nadie más. Simplemente, porque por aquella época, trabajaba una semana de mañana y una semana de tarde, y así me resultaba bastante complicado poder ensayar en cualquier compañía. A raíz de esta idea, me acordé de la gran obra de teatro “Cinco horas con Mario” y en un juego de palabras (en su momento creí que bastante acertado), lo transformé en “Cinco horas y cuarto con mi marío”. Y así comenzó la andadura de este proyecto, donde quería contar la historia de alguien que vela a su marido fallecido. Y tenía que ser otro hombre el que le velara. El campo me ofrecía una amplitud de miras hacia lo que poder contar. Y así lo hice. Cuando comenzamos el montaje, el director Daniel Galbeño, creador de Antinomia Teatro, sugirió un cambio de título, puesto que el texto poseía la suficiente fuerza y carisma como para necesitar hacer referencia a otra obra teatral. Y que aquel título se prestaba a error, por parecer una obra cómica, cuando en realidad no lo es. Y así surgió “Todavía tengo tiempo”. Y ha sido una elección acertada, sin duda. Elegimos a Manuel Samper para que interpretara a Miguel, y también fue una elección acertada.

OPINIÓN PERSONAL DE «TODAVÍA TENGO TIEMPO»

Obviamente, como habrás observado en el cartel, es una obra en la que yo participo, así que esto no es una crítica, sino más bien una explicación de lo que podrás ver si decides visitarnos. Huelga decir, que tanto el elenco como el director, estamos muy orgullosos del trabajo realizado y que el día del estreno fue un éxito arrollador. Por eso escribo hoy sobre ella, porque creo que es una obra de teatro que debe ser descubierta y disfrutada por mucha gente.

Durante todo el proceso de creación, hemos trabajado con el imaginario, rascando en los sentimientos más humanos y en las sensaciones más duras que se pueden sentir. Puesto que, como ya habrás deducido, la historia es bastante dura y complicada de trabajar. Cada frase esconde un significado especial, algunas veces un doble sentido. Siempre apoyados por la escenografía del director y la iluminación, aparentemente sencilla, pero que encierra muchos mensajes. El pasado, el futuro, Miguel, Ricardo, el presente. Todo toma forma en aquel juego de luces que se apagan y se encienden. El espacio sonoro juega un papel también muy importante, sabiendo mezclar esa ternura y calidez del romanticismo más puro, con los sonidos más dolorosos y angustiosos. Todo para transmitir, junto al texto, cada sensación que ofrece la pieza.

¿Y por qué dos personajes? Porque pensamos que Miguel también podía tener una historia que contar. En un trabajo conjunto, decidimos incluirlo en la historia, y el director supo dotar al personaje de Miguel del peso suficiente para que viaje junto a Ricardo durante todo el proceso de aceptación. Además, el trabajo ha sido espectacular. Muy intenso, pero hemos creado una buena conexión entre los tres. Y eso se nota en la puesta en escena.

El director trabaja el duelo desde la melancolía. Ese camino a recorrer por parte de Ricardo, para poder liberarse, tanto a Miguel como a él mismo. Un camino que muestra los miedos, los anhelos, las verdades y las mentiras. Todo ello para conseguir esa liberación mutua que ambos necesitan.

A título personal, debo decir que uno de los muchos mensajes que quería destacar de este texto que escribí, era el de la igualdad. Como expliqué en el coloquio que tuvimos posterior al estreno, yo crecí viendo películas, series, obras de teatro, leyendo libros, en los que parejas heterosexuales vivían preciosas historias de amor. Sufrían, reían, lloraban, tenían su final feliz. Otras veces no, pero siempre conseguían sobrecogerme. Y muchas veces yo deseaba ser esos personajes, vivir todas esas emociones. Siempre con los sentimientos a flor de piel (ya sabes lo que a mí me gusta un buen lloriqueo) y sintiendo cada momento de las historias. Pues eso quería conseguir yo; que la gente se estremeciera, se sintiera identificada con la historia, independientemente de su orientación sexual.

Si yo era capaz de transmitir al público el sentimiento de tristeza, soledad y miedo de Ricardo, sin tener en cuenta a la persona a la que había perdido, habría tenido éxito. Y creo que lo conseguimos. Y por eso me siento tan orgulloso.

Al final, lo más importante que puedo deciros para que os pique el gusanillo y vengáis a visitarnos es el hecho de que vais a descubrir una historia sincera, dolorosa y esperanzadora. En ella, conoceréis a dos personajes unidos en la vida y en la muerte. Secretos escondidos, sueños rotos y la visión de un futuro completamente diferente al soñado. Una historia de amor y dolor a partes iguales, en la que la búsqueda de la verdad y la redención juegan un papel importante.

Tras esta segunda actuación (entradas aquí), viajamos a Luxemburgo para representarla allí el 25 y 26 de febrero. Después representaremos en Madrid el 2 y 3 de marzo en la Sala Off Latina, y a partir de ahí, lo que nos llegue. Que ganas no nos faltan.

También decirte que tenemos este teaser y que nos entrevistaron tanto en PTV como en 101TV, por si te apetece echarle un ojo. Quizás te entren más ganas aún.

¿Ya nos has visto? ¿Te ha gustado? Espero tus comentarios y opiniones.

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TODAVÍA TENGO TIEMPO en La Nave 2022

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Santísima(2021)

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Ubicación: 24 de Noviembre en Contenedor Cultural (Málaga)

Autor: Alonso Gil Gil

Dirección: Alonso Gil Gil

Reparto: Lori Reina

SINOPSIS

Rita Basarti es una monja joven y descarada destinada, por la gracia de Dios, a convertirse en santa. O al menos eso lleva esperando toda su vida. Una audiencia en el Vaticano será el escenario desde donde descubriremos por qué ha de ser la elegida para este designio divino.

El espectáculo reflexiona sobre la identidad de la fe moderna y la persecución de la aceptación social e individual.

HISTORIA

Alonso Gil Gil concibe esta historia durante la pandemia que nos sacude en el pasado 2020. En su búsqueda de temas sobre los que escribir, Pablo Messiez y Santiago Loza le inspiran a investigar en el mundo de los monólogos, donde las estructuras de los textos dramáticos se desdibujan para dar cabida a la investigación y desorganización. Acercándose más a la narrativa que a una clásica pieza teatral, se convierte en el primer proyecto de la compañía Ujo Teatro. Un espectáculo de un solo personaje, en el que el autor ahonda sobre temas que le rodean y le preocupan (problemas de identidad o cómo se entiende la fe), mostrando a un personaje disociado de la realidad, en búsqueda del amor perpetuo.

OPINIÓN PERSONAL DE «SANTÍSIMA»

La compañía malagueña Ujo Teatro nos presenta un espectáculo teatral de un solo personaje que se adentra en la vida de una monja que desea ser santa. Rita Basarti es enviada al Vaticano para convencer a sus santidades acerca de su beatificación. Ella quiere ser santa, cree que lo merece y que su vida ha sido un cúmulo de pruebas que la hacen digna de tal nombramiento. Pruebas que ella misma se ha impuesto y sufrido con el único objetivo de ser declarada santa y así poder ser amada. Así lo concibe ella y su recorrido te sorprende, desde su infancia, compleja y confusa, hasta el día de su reunión con los jueces del Vaticano. Mediante flashbacks, Rita nos va desgranando el recorrido que ha realizado hasta estar ante nosotros, esperando ser entendida, aceptada y amada. Sobre todo, amada.

La obra es dura, no te lo voy a negar. Aunque realmente no es la imagen que ofrece en un principio. Cuando las luces se encienden, conocerás a Rita, que juega equilibradamente entre una leve comedia y un sutil drama. A medida que la obra avanza, descubrirás que nada es lo que parece. Momentos duros que te harán revolverte en el asiento y situaciones divertidas que te harán sonreír. Y es que el autor sabe cómo relajar al espectador después de mostrarte lo más oscuro y depravado del recorrido de Rita. Y eso se agradece, puesto que la historia es todo menos liviana. El autor crea composiciones visuales e imágenes que juegan con luces y sombras, acompañadas de un espacio sonoro que compacta a la perfección en el espectáculo.

Lori Reina se encarga de dar vida a la irreverente monja Rita Basarti, intérprete formade en la Escuela Superior de Arte Dramático de Málaga. Un solo personaje sobre el que cae todo el peso de la historia. En soledad ante el público, nos cuenta sus vicisitudes desde su infancia hasta el momento en que solicita su beatificación. La fuerza de su interpretación se come el escenario, te atrapa, te envuelve en esa vida cedida a los demás, te estremece su dolor, su resignación, su entrega. Una interpretación desgarrada que sobrecoge durante las casi dos horas de espectáculo, lo cual es un mérito increíble. Mi más sincera enhorabuena al gran trabajo de Lori.

Al final, es el propio espectador el que tiene en sus manos la decisión de si Rita merece o no ser santa. Porque hemos hecho sin darnos cuenta, de jueces del Vaticano; hemos escuchado su historia, hemos sido cómplices de esa entrega abierta en canal al prójimo. Y cada uno decidirá allí, o nada más salir, o incluso en casa antes de dormir, si Rita debe ser santa y por qué. Puesto que cada uno observará la vida de este personaje desde su prisma particular, desde su educación y sus creencias. Y ahí es donde la obra de Alonso Gil da en el blanco. No hay un final cerrado para el espectador, hay una interrogación sobre todo lo que acaba de ver. ¿Tú qué crees? ¿Entiendes a Rita? ¿Empatizas con ella o no? Al final, salir de un teatro e irte a casa pensando tampoco está tan mal ¿no?

Te ríes, te revuelves en el asiento, te sorprendes, te emocionas… ¿Qué más le puedes pedir a una obra de teatro? Ah sí, te hace pensar. Pensar hasta donde estás dispuesto a entregarte a los demás, y si de verdad los demás lo merecen. Me gusta. Me agrada que me hagan pensar más allá de lo meramente convencional. Y Alonso Gil Gil lo consigue con esta obra. Con un texto lleno de matices, de giros, de reflexiones escupidas directamente al público, para calar en nuestra psique y hacernos reaccionar ante una historia tan dulce como cruel. Una simbiosis agridulce que te tocará el corazón.

Osea, que te recomiendo este montaje teatral por todo lo anterior; además si bicheas en su ig, podrás descubrir, que el autor ha sido galardonado hace muy poquito con el Premio Federico García Lorca de la universidad de Granada por el texto dramático «Los dientes de leche», uno de los dos nuevos proyectos de la compañía. Con lo que ya te puedes hacer una idea de la calidad de los proyectos de esta compañía. Y no puedo estar más orgulloso de esta noticia, puesto que tengo el inmenso placer de trabajar en ese proyecto que verá la luz el año que entra. Y te aseguro que pinta muy bien, igual que esta «Santísima».

El año que está a punto de empezar, Ujo Teatro volverá a deleitarnos con esta obra, así que te recomiendo que te pases por su web Ujo Teatro o les sigas en su ig @ujoteatro para poder disfrutar de un espectáculo intimista, duro y poético a la vez.

¿Viste el estreno de esta obra? ¿Te gustó? Espero tus comentarios y opiniones.

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SANTÍSIMA en Contenedor Cultural 2021

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La más fuerte (2021)

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Ubicación: 7 de noviembre en Sala OFF, La Latina (Madrid)

Autores: August Strindberg

Dirección: Daniel Galbeño

Reparto: Luna Lobato y Sonia Ocampo

SINOPSIS

Una cafetería. Dos mujeres frente a frente. Una habla y la otra calla. Una tiene mucho que contar; la otra no le queda más remedio que escuchar. Una lucha entre el silencio y la palabra. Una infidelidad, una mujer herida. Un monólogo lleno de reproches, ataques, dolor y resurgimiento tras la caída.

HISTORIA

«La más fuerte» es una pieza teatral corta de un sólo acto, que Strindberg escribió para su mujer Siri Von Essen, la cual poseía inquietudes teatrales aunque nulas aptitudes. Escrita en 1888 para tratar de crear un nuevo teatro experimental en Copenhague, es considerada a día de hoy, como uno de los más increíbles monólogos de la historia del teatro. Y se le considera monólogo, aunque la pieza nos muestra a dos mujeres, una de ellas nunca hablará, siendo la otra la única que habla. 

OPINIÓN PERSONAL DE «LA MÁS FUERTE»

Antinomia Teatro recupera uno de los textos más brutales del gran escritor Strindberg y redibujan una historia vista desde una nueva perspectiva. La compañía se sumerge en la psique humana en un espectáculo lleno de simbolismos y elementos oníricos.

El director, Daniel Galbeño, nos ofrece una nueva visión del famoso texto de Strindberg, entre dos mujeres en una cafetería, en la que una vomita todo su dolor y su rabia mientras la otra escucha sin emitir palabra alguna, transformando la historia de un espacio externo y realista hasta convertirla en la psique autodestructiva y tóxica de la protagonista.

En esta revisitación de «La más fuerte», Amelia es la protagonista (en la obra original, Amelia es el personaje que escucha en silencio), mientras que el personaje que escucha es su sombra, su reflejo, su parte oscura. Amelia ataca una y otra vez a su sombra con las palabras, tratando de avanzar una y otra vez, y chocando, también una y otra vez, con la realidad de su propio yo. Esa lucha interna de Amelia por afrontar la realidad de su ser, ese camino por recorrer para descubrir que lo importante es amarse uno mismo, ese descubrimiento del cierre de un círculo que ella misma descubre en su monólogo.

Dos actrices realizan la creación de Amelia y su sombra. Sonia Ocampo es la encargada de dar vida a Amelia y cargar con el peso «textual» de la obra, mientras que Luna Lobato la rodea durante todo el espectáculo como el espejo al que Amelia se enfrenta sin parar durante toda la obra. Dos actrices jóvenes que impregnan el espacio de una sensación de «mal rollo», de ese sentimiento de incomodidad placentera, de qué está pasando aquí, de una sensación de «por dónde va a salir esto».

Y es que las imágenes que el director crea en diferentes momentos de la obra son de una gran belleza, altamente inspiradas en piezas artísticas de todas las épocas. El juego de luces acompaña a un espacio sonoro muy acertado que envuelve una escenografía tan sencilla como justa. Una mesa, dos sillas y un traje de novia crucificado en el centro. La muerte de la moral cristiana, de lo establecido, de algo latente entre nosotros aunque no seamos plenamente conscientes de ello.

El simbolismo de la fruta nos ofrece momentos duros, crueles, dolorosos, nunca esperanzadores. Plátanos, manzanas, fresas… Referencias fálicas, numerología oculta, armonía que aparece y desaparece, equilibrio que creemos que va a instalarse en la protagonista y de pronto se diluye como el humo. La fruta, alimento de corta vida y rápida putrefacción, nos muestra lo orgánico de la visión de éste director.

A nivel personal, he de ser sincero, me ha emocionado en bastantes momentos (ya, soy de llorar, pero es que ha habido bastantes momentos muy intensos); los lanzamientos sensoriales que tanto el director como las propias actrices escupen al público me han sorprendido. Las miradas desafiantes de la sombra traspasan a Amelia para dirigirse directamente hacia el público, haciéndole partícipe de todo lo tóxico que envuelve a este personaje. Un personaje, que muy a nuestro pesar, se esconde en cada uno de nosotros (aunque a algunos les sea más fácil lidiar con él que a otros), por eso cada mirada, cada sonrisa maliciosa, cada risa, golpean como un puñetazo en medio del pecho. Dos actrices con una gran fuerza dramática, se enfrentan en una lucha titánica, en un tira y afloja desacompasado, todo por conseguir ser la más fuerte; o al menos, hacer salir a la luz a la más fuerte. Aquella que afrontará salir adelante sin miedo, sin excusas, con ganas.

Con una corta andadura profesional, Antinomia Teatro demuestra el buen hacer de su creador Daniel Galbeño, así como la calidad de sus proyectos, tanto a nivel técnico como personal. De camino a Madrid a principios de este mes, en la sala OFF La Latina. Podéis seguir a esta compañía en su instagram Antinomia Teatro para conocer futuras actuaciones y nuevos proyectos.

¿Ya habéis visto este montaje? ¿Os gustó? Espero vuestros comentarios y opiniones.

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LA MÁS FUERTE en La Nave 2021

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A chorus line (2019)

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Ubicación: Teatro del Soho, Málaga

Autores: James Kirkwood y Nicholas Dante

Dirección: Michael Bennett y Baayork Lee

Reparto: Antonio Banderas, Alberto Escobar, Fran del Pino, Anna Coll, Aarón Cobos, Cassandra Hlong, Ivo Pareja-Obregón, Sarah Schielke, Kristina Alonso, Albert Bolea, Angie Alcázar, Lorena Santiago, Daniel Délyon, Diana Girbau, Beatriz Mur, Roberto Facchin, Fran Moreno, Estibalitz Ruiz

SINOPSIS

La historia de este musical gira en torno a un grupo de bailarines profesionales que acuden a Nueva York para participar en un casting para un nuevo musical. Ante ellos está Zach, un prestigioso director de musicales de Broadway, encargado de seleccionar al cuerpo de baile de la producción. El musical nos presenta a cada uno de los personajes, así como las razones por las que se han dedicado al mundo del espectáculo.

HISTORIA

Este musical fue estrenado oficialmente en 1975 en el Shubert Theatre de Broadway tras haber permanecido un tiempo en el Off Broadway. Desde su estreno, se convirtió en un gran éxito de crítica y público, siendo galardonado con innumerables pemios. Durante más de una década y media, permaneció incombustible cada noche. Como buen musical de éxito, tuvo su película en el año 85 a cargo de Richard Attenborough.

OPINIÓN PERSONAL DE «A CHORUS LINE»

Sí,. lo sé. He tardado en escribir ésta reseña acerca del musical que vi antes de las navidades del 2019. Ha sido bastante tiempo después cuando he decidido contarte lo que me pareció éste espectáculo. Porque me ha costado dar el paso.

Comenzaré explicando mi relación con éste musical, para hacerte partícipe de los sentimientos que despertó en mí. Crecí viendo ésta película cuando era un pequeñajo y me marcó mucho la historia, tan sencilla, tan innecesaria de grandes decorados o efectos visuales. Un escenario vacío, un grupo de aspirantes, un casting donde cada uno trata de mostrar la mejor parte de sí mismos. Y no hay más, no se necesita más. Porque la historia es simple, pero llena de matices que le aporta cada uno de los personajes. Y eso es lo que me enamoró de ésta película. Las ganas de luchar por tu sueño con todas tus fuerzas y el saber si lo vas a conseguir o no.

Trataré de ser lo más objetivo posible, porque como sabes, no me gusta hacer malas críticas. Así que intentaré ceñirme a lo que me gustó de éste musical.

El elenco me gustó en su mayoría, Buenos cantantes y bailarines, algún que otro problema de dicción, o más bien de proyección, pero nada tan chirriante como para restar mérito al equipo en general. Las composiciones visuales de los protagonistas, junto con los juegos de luces, crearon cuadros muy bellos. Destacaría por encima a la actriz que interpretó a Sheila (Kristina Alonso) y al actor que interpretó a Paul (Fran Moreno). Bueno, para mi gusto sobresalían por encima del resto.

Como no conocía la historia real del musical, la historia de Cassie con Zach me ha parecido mal resuelta. Y te explico: en el film, ella llega y solicita hacer la prueba con el resto de participantes y así surge el enfrentamiento. En la obra teatral, Cassie ya está mezclada entre los aspirantes (lo cual hizo que me costara ubicarla) así que Zach ya sabe que está ahí, por lo que el enfrentamiento de ambos, pasado un buen tramo del espectáculo, me resultó chocante, sin mucho sentido. pero repito, igual la historia real era así y se modificó en el film.

La escenografía, es practicamente nula, al igual que en la película, porque realmente la historia no precisa de ella. He de reconocer que el juego de los espejos giratorios y las luces han creado momentos bastante bellos y llamativos. Pero es que poco más se puede hacer con la trama.

Siendo conocedor de la historia, debo reconocer que para ser el estreno del Teatro del Soho, me ha resultado una apuesta poco arriesgada pero muy efectista. Tirando de ese regusto por el revival de uno de los musicales más famosos de Broadway, y que a su vez no necesita una puesta en escena costosa. Porque la decisión de ir a ver éste espectáculo, a mí personalmente, me removió mi infancia y quería viajar al pasado para recordar lo que sentí cuando era niño. Y me lo removió, a nivel sensorial. A nivel artístico, tengo que admitir que el Teatro del Soho y Antonio Banderas debería haber apostado por la grandiosidad de cualquier otro musical, antes que arañar los corazoncitos de gente como yo. Porque de verdad que lo disfruté, pero no estoy muy seguro de qué porcentaje era emocional y cual crítico.

Por lo que, para concluir, mi opinión acerca de éste musical tiene mucho trasfondo emocional sobre lo que significó en mi infancia la producción cinematográfica. Para el resto, creo que lo he explicado bastante bien.

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A CHORUS LINE en el Teatro del Soho 2019

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